Frank Stella, fundador das “Black Paintings” que no final da dezena de 1950 fecharam a porta para o expressionismo abstrato e apontaram o caminho para a era do minimalismo insensível, faleceu neste sábado, 4, em sua moradia em Novidade York, aos 87 anos.
Sua mulher, Harriet E. McGurk, disse que a pretexto foi um linfoma.
Stella foi uma figura dominante na arte americana do pós-guerra, um inovador incansável e inquieto cujas explorações de cor e forma o tornaram uma presença imponente, sempre discutida e em permanente exposição.
Poucos artistas americanos do século 20 iniciaram a curso com tanto destaque quanto ele. Stella tinha tapume de 20 anos quando suas pinturas pretas em grande graduação —faixas pretas precisamente delineadas separadas por finas linhas em branco —tomaram de assalto o mundo da arte. Austeras, autorreferenciais, opacas, elas lançaram um mandinga arrepiante.
Em item na revista Art International em 1960, o historiador da arte William Rubin se declarou “quase hipnotizado” pela “presença mágica e misteriosa” das pinturas. O tempo somente ratificou o consenso.
“Elas permanecem algumas das pinturas mais inesquecíveis e provocativas na história recente do modernismo americano”, escreveu a sátira Karen Wilkin no The New Criterion em 2007. Em 1989, “Tomlinson Court Park”, uma pintura preta de 1959, foi vendida em leilão por US$ 5 milhões, tapume de R$ 25,3 milhões.
Stella, um formalista severo, rejeitou todas as tentativas de interpretar seu trabalho. O tino de mistério, argumentava ele, era uma questão de “ambiguidades técnicas, espaciais e pictóricas”. Em uma mensagem frequentemente citada aos críticos, ele insistia que “o que você vê é o que você vê” —uma formulação que se tornou o lema não solene do movimento minimalista.
Ao longo das cinco décadas seguintes, ele se provou um rabino da reinvenção. No início da dezena de 1960, ele animou a fórmula das riscas com cores vibrantes e telas moldadas. Depois, embarcou na ambiciosa série “Protractor”, com mais de século pinturas do tamanho de murais feitas de semicírculos sobrepostos de cores brilhantes, às vezes fluorescentes. As pinturas “levam toda a noção de abstração cromática a um ponto de quase elaboração barroca”, escreveu Hilton Kramer no The New York Times.
Exibida pela primeira vez na Galeria Leo Castelli em Manhattan, em 1967, a série tornou Stella “um deus do mundo da arte dos anos sessenta, exaltando gostos pela forma reduzida, graduação imponente e cor sintético superabundante”, escreveu o crítico Peter Schjeldahl no The New Yorker em 2015. O impacto de Stella na abstração, acrescentou Schjeldahl, “foi um pouco porquê [Bob] Dylan na música e [Andy] Warhol em mais ou menos tudo.”
Nas décadas de 1970 e 1980, Stella abandonou o projecto pinturesco, afastando suas obras da parede em montagens repletas de caracóis, curvas e espirais de alumínio pintado.
Essas “pinturas maximalistas”, porquê ele as chamava, eram extrovertidas, alegres e vibrantes de vigor, a anos-luz da domínio sombria das “Black Paintings”. Elas serviram porquê um cartão de visitas para a próxima temporada de Stella, porquê designer de grandes obras públicas, porquê os murais para a Torre da Companhia de Gás em Los Angeles, de 1991, e o anfiteatro em forma de chapéu, formado por fitas de alumínio complicadas, que ele entregou à cidade de Miami em 1997.
Alguns críticos acharam seu trabalho pouco convidativo e programático. Harold Rosenberg zombou das ideias de Stella em uma edição da The New Yorker de 1970, definindo-as porquê “estética de tabuleiro de xadrez”.
Ao revisar uma exposição de suas primeiras pinturas no Times em 2006, Roberta Smith escreveu que seu trabalho desde o início dos anos 1980 era considerado por muitos porquê “inerente ao corporativo”. Schjeldahl, na The New Yorker, descartou grande secção do trabalho posteriormente 1970 porquê “modernismo disco”.
No entanto, durante a maior secção de sua curso, Stella desfrutou de uma vaga de bajulação e sucesso mercantil estupendo, impulsionado por dezenas de exposições individuais e retrospectivas em museus ao volta do mundo.
Rubin, posteriormente se tornar diretor de pintura e estátua do Museu de Arte Moderna, o MoMa, reafirmou sua espanto pelo trabalho de Stella ao torná-lo o artista mais jovem a ser homenageado com uma retrospectiva no museu em 1970, quando ele tinha 34 anos. Em outra medida sem precedentes, Rubin organizou uma segunda retrospectiva em 1987.
Stella foi o primeiro artista abstrato a ser convidado a proferir a palestra Charles Eliot Norton em Harvard, em 1983 e 1984. Em 2015, quando o Museu de Arte Americana Whitney reabriu em seu novo prédio em Manhattan, a exposição principiante foi uma retrospectiva de Stella.
Em 2020, o Museu de Arte Contemporânea Aldrich em Ridgefield, Connecticut, apresentou “Estrelas de Frank Stella”, uma pesquisa sobre o uso de formas de estrela pelo artista em vários meios, culminando em esculturas feitas nos últimos anos.
Frank Philip Stella nasceu em 12 de maio de 1936, em Malden, Massachusetts, ao setentrião de Boston, rebento de Frank e Constance Stella. Sua mãe frequentou a escola de arte e mais tarde se dedicou à pintura de paisagens. Seu pai era ginecologista e também entusiasta da pintura. Stella frequentou a Phillips Academy em Andover, Massachusetts, onde um de seus instrutores, o pintor Bartlett H. Hayes Jr., o expôs ao trabalho de Hans Hofmann e Josef Albers.
Em Princeton, onde obteve um diploma de bacharel em história em 1958, Stella se tornou camarada íntimo do porvir crítico Michael Fried e do porvir pintor de campo de cor Walter Darby Bannard.
Novamente teve a sorte de ter bons professores. William Seitz, com quem estudou história da arte, estabeleceu um programa de artista residente no qual o pintor abstrato de Novidade York, Stephen Greene, ministrou os primeiros cursos de estúdio da escola em pintura e ilustração.
Com muito incentivo de Greene, Stella produziu pinturas gestuais no estilo de Franz Kline e Willem de Kooning. Mas depois de ver as pinturas de bandeira de Jasper Johns na Galeria Castelli em 1958, ele adotou uma abordagem mais fria e analítica que derivava seus efeitos da precisão e repetição.
Depois de reprovar no vistoria físico do tropa —um acidente na puerícia comprometeu suas articulações da mão esquerda —ele se estabeleceu em um estúdio no Lower East Side de Novidade York e começou a trabalhar nas “Black Paintings”, complementando sua renda pintando casas.
Em 1961, ele se casou com Barbara Rose, uma estudante de história da arte na quadra, mas logo se tornou uma sátira amplamente lida da arte contemporânea. O conúbio terminou em divórcio em 1969 e ela faleceu em 2020.
Stella deixa sua esposa, McGurk, uma pediatra, e seus dois filhos, Patrick e Peter. Deixa também outros dois filhos de seu primeiro conúbio, Rachel e Michael, e uma filha, Laura, de um relacionamento com Shirley De Lemos Wyse, além de cinco netos.
Stella continuou a explorar a mistura entre pintura e estátua entre as décadas de 1980 e 1990 em uma série estendida de 266 relevos baseados em “Moby Dick”, do plumitivo Herman Melville, cujos 135 títulos de capítulos ele aplicou às obras.
Uma estátua de Stella chamada “Jasper’s Split Star” (2017), construída com seis pequenas grades geométricas que repousam em uma base de alumínio, foi instalada na rossio pública em frente ao World Trade Center em Novidade York em novembro de 2021.
A gama completa de seu trabalho foi exibida na abrangente exposição “Frank Stella: A Retrospective” no Whitney em 2015, uma apresentação de grande porte para uma figura imponente e divisiva, tão obcecada quanto o capitão Ahab em sua procura por reformular a abstração.
“Até os fracassos, porquê um amontoado horroroso de alumínio fundido pintado com padrões ondulados de tie-dye, exibem uma desejo prodigiosa, de veste Melvilliana”, escreveu o crítico Jason Farago no The Guardian. “São obras de um artista que não está disposto e é incapaz de permanecer parado.”
