Um pouco estranho está acontecendo. Aparentemente, vêm surgindo de tempos em tempos notícias sobre alguma invenção sensacional no mundo da arte. Elas incluem pinturas escondidas sob outros quadros e rostos desvanecidos que surgem inferior do verniz de obras-primas que pensávamos saber milimetricamente.
Somente no último mês, veio a público a detecção de misteriosas figuras capturadas inferior da superfície de obras de Ticiano (c.1489-1576) e Pablo Picasso (1881-1973).
Mas uma vez que devemos tratar esta coleção de olhares secretos, que não para de crescer —essas presenças antes inexistentes que, ao mesmo tempo, nos encantam e perturbam?
No início de fevereiro, pesquisadores dos Laboratórios de Caracterização da Arte Andreas Pittas, do Instituto Cyprus, em Chipre, revelaram terem comprovado a existência, usando formação avançada de imagens e um novo scanner multimodal combinando diferentes técnicas, de um retrato de cabeça para inferior de um varão de bigode segurando uma pena, embaixo do quadro “Ecce Homo” (1570-75), do rabino do Renascimento italiano Ticiano.
Superficialmente, a tela de Ticiano retrata um Jesus enlameado, com as mãos amarradas com cordas, ombro a ombro com o governador romano Pôncio Pilatos, suntuosamente vestido e que viria a condená-lo à morte. Mas o que faz cá leste estranho e anacrônico escrivão que foi desvanecido? E o que ele está tentando nos expor?
A existência do retrato oculto, que emerge de forma imperceptível através do craquelê —aquelas rachaduras fascinantes que se formam nas pinturas dos antigos mestres— foi descrita pela primeira vez pelo historiador da arte Paul Joannides. E seu significado para a narrativa da superfície não é zero casual.
A identidade da perturbadora figura ainda não foi determinada, mas ela claramente ajudou a formar a dolorosa formação artística que a manteve oculta pelos últimos 450 anos.
A estudo da materialidade das camadas de pintura no Instituto Cyprus demonstrou que os contornos do rosto da figura escondida determinaram a inflexão das cordas que amarram as mãos de Jesus, estabelecendo notas harmônicas entre as sucessivas composições, aparentemente opostas.
Nascente sentido de colaboração silenciosa entre as camadas de tinta —entre o que existe hoje e o que havia antes— é ainda mais surpreendente no semblante oculto de uma mulher encontrado pelos reparadores do Instituto Courtauld de Arte, em Londres, detrás de uma pintura do período azul de Pablo Picasso —um retrato do estatuário e colega do artista Mateu Fernández de Soto (1901).
Também revelado utilizando tecnologia de geração de imagens por infravermelho, o retrato da mulher, ainda não identificada, é traçado em estilo anterior, mais impressionista. Quando trazida à superfície, ela parece estar sussurrando no ouvido do estatuário, uma vez que se o pretérito e o presente houvessem se unificado em um único momento interrompido.
Na maioria dos casos, esses retratos ocultos são somente os fantasmas de composições rejeitadas que não se destinavam a ser exibidas. E elas não teriam sido observadas sem a ajuda de ferramentas avançadas de geração de imagens, que permitem aos especialistas espreitar com segurança inferior da tinta, sem danificar a superfície da obra.
Os raios X revelam os desenhos ocultos e a reflectografia de infravermelho consegue expor detalhes sutis que foram mascarados pelo macróbio verniz. Esses detalhes, quando observados, não podem ser esquecidos. Depois de descobri-los, é preciso analisá-los.
Apresentamos uma curta relação de alguns dos retratos mais interessantes e misteriosos já encontrados, inquietos e implacáveis, detrás de obras-primas conhecidas. Muitos deles são autorretratos. São presenças perturbadoras que permanecem para sempre em mundos distantes e, ao mesmo tempo, imensamente próximas.
“Um Velho em Traje Militar”, de Rembrandt (1630)
Quando pensamos em Rembrandt (1606-1669), logo nos lembramos daquele reino escuro e imperecível onde seus modelos se sentam de forma atemporal —um eterno palco sombrio criado com carvão.
O nome de Rembrandt certamente não nos faz imaginar alegres tons de virente e vermelho berrante que coloquem incêndio no espaço, com poderoso vibração e exalo. Mas foi exatamente isso o que os pesquisadores encontraram, quando submeteram a obra do rabino holandês, “Um Velho em Traje Militar”, à macrofluorescência de raios X (MA-XRF, na {sigla} em inglês) e reflectografia de infravermelho.
Conquistado detrás da reflexão de Rembrandt sobre a mortalidade, o vertiginoso fantasma de um jovem vistoso de roupa vermelha não convencional e incorrigíveis tons de virente amplifica a pungência da obra de arte.
“Santa Catarina de Alexandria”, de Artemisia Gentileschi (1619)
Em alguns quadros, quanto mais observamos, menos sabemos. Um exemplo é o retrato de Santa Catarina de Alexandria, pintado por Artemisia Gentileschi (1593-c.1656).
A estudo de relâmpago X da obra da artista barroca italiana, realizada em 2019, revelou que ela começou a obra uma vez que um autorretrato, muito similar a outra obra com nome similar, “Autorretrato uma vez que Santa Catarina de Alexandria”, iniciado aproximadamente em 1615.
Separar os rostos das duas obras é um trabalho frágil, mas os estudiosos agora acreditam que a obra final —com um turbante no lugar da grinalda e um olhar subtil em vez de piedoso e celestial— mistura elementos da própria artista com os de Catarina de Médici (1593-1629), filha do grão-duque Fernando de Médici (1549-1609), que encomendou a obra.
O resultado é a prova de que o artista pode ser capaz de despovoar uma pintura, mas a pintura nunca pode despovoar completamente o artista.
“Baco”, de Caravaggio (c. 1595)
Caravaggio (1571-1610) assinou somente um quadro durante toda a sua vida. E o fez com repulsivo talento, em um rabisco com sangue na segmento subordinado da sua maior pintura, “A Degola de São João Batista” (1608). Mas esta não foi a única vez em que o rabino italiano inseriu um semblante de si próprio nas suas pinturas.
Em 2009, utilizando reflectografia avançada, estudiosos penetraram nas rachaduras da superfície do retrato de Baco, o deus romano do vinho, feito por Caravaggio. Eles redescobriram um minúsculo autorretrato escondido no revérbero do jarro —um pormenor quase subliminar que os trabalhos grosseiros de restauração haviam obscurecido depois da invenção do retrato dentro do retrato, em 1922.
Esta estranha selfie distorcida no recipiente de vinho —que às vezes você vê e, às vezes, não— é fundamental para o significado da obra. Ela destaca os temas da ilusão embriagada e identidade elástica, essenciais para a pintura de Caravaggio.
“Jovem Maquiando-se”, de Georges Seurat (1890)
Superficialmente, “Jovem Maquiando-se” é uma reflexão divertida sobre a sobreposição entre o tema e o estilo. Cá, Georges Seurat (1859-1891) emprega sua pioneira técnica pontilhista, utilizando incontáveis pontos minúsculos para ilustrar sua amante, Madeleine Knobloch (1868-1903), enquanto ela espalha uma nuvem de pó pelo rosto.
As pinceladas parecem rodopiar pelo ar e preenchê-lo —metaforicamente, também lançando pó sobre as pessoas que pararem para contemplar a obra. Os pontos habilmente aplicados revelam e apagam as imagens em igual medida, uma vez que se conjurassem um mundo somente para apagá-lo em seguida.
A sensação de resplandecente obliteração se intensifica com a invenção de um autorretrato escondido, o único divulgado de Seurat. Ele fica na janela oportunidade que, posteriormente, o artista escondeu detrás de outro conjunto de pontos que ilustra um vaso de flores —um ponto muito interessante do quadro.
“Retrato de uma Rapariga”, de Modigliani (1917)
Certas pessoas se recusam a serem esquecidas, não importa o quanto você as apague da memória. E o famoso “Retrato de uma Rapariga”, do pintor modernista italiano Amedeo Modigliani (1884-1920), inegavelmente, é um desses casos.
Alguns estudiosos suspeitam que o retrato de corpo inteiro de uma mulher, oculto detrás da imagem visível, pode ilustrar uma ex-amante com quem Modigliani terminou um relacionamento um ano antes.
Em 2021, dois candidatos a PhD da Universidade de Londres utilizaram perceptibilidade sintético para reconstruir o retrato oculto, que relembra claramente a ex-musa e amante do pintor, Beatrice Hastings (1879-1943).
A identidade das duas mulheres, a aparente e a oculta, ainda aguarda confirmação, mas as camadas sobrepostas reforçam temas de ocultação e dissimulação na obra de Modigliani.
“La cinquième saison”, René Magritte (1943)
Os dois homens seguram pequenas pinturas emolduradas embaixo do braço, enquanto andam em direção um ao outro. A trajetória dos seus passos sugere que a colisão iminente não ocorrerá por pouco —mas, sim, haverá uma espécie de eclipse, quando um dos homens resvalar detrás do outro com seu quadro.
De certa forma, parece propício que, nesta pintura de quadros que se sobrepõem, a reflectografia de infravermelho tenha encontrado outra pintura oculta sob sua superfície: o retrato de uma mulher misteriosa, que possui poderoso semelhança com a esposa do artista, Georgette, mas com características totalmente distintas.
A invenção do retrato escondido simplesmente coloca em evidência uma vez que interpretar a dualidade da obra de um artista divulgado pelas suas imagens provocantes e traiçoeiras.
Esse texto foi originalmente publicado cá.
