O que acontece quando a espera deixa de ser pausa e se estabelece porquê a própria quesito de uma sociedade? É dessa indagação que secção “A História que se Repete”, montagem idealizada pelo ator Alex Bartelli, que estreia nesta sexta (9), no Sesc Ipiranga, em São Paulo.

No palco, Rocco Pitanga e Robson Nunes dão corpo a dois homens enredados em um horizonte distópico no qual tempo, memória e verdade colapsam em ciclos contínuos, reelaborando a matriz de “Esperando Godot”, clássico de Samuel Beckett, sob as tensões e contradições do Brasil contemporâneo.

“A questão inicial era: porquê seria o Godot hoje? Uma vez que falar dessa espera no presente?”, diz a dramaturga Gabriela Mellão. A resposta veio da aproximação com a dramaturgia beckettiana das páginas de “Na Risca: Folhetos Fabris”, livro em que o galicismo Joseph Ponthus registrou sua vivência brutal porquê operário fabril.

“Enxergo Ponthus, Beckett e o Kafka de ‘O Processo’ no mesmo eixo de falência do nosso mundo. Um pela perspectiva fabril, outro pela via existencial do contra-senso, e Kafka pela máquina burocrática. Quis trazer essa sobrecarga para o agora. Quando parece que tudo acabou, o que nos resta é o afeto e a linguagem, instrumentos suficientes para reconstruir a experiência humana.”

Sob a direção artística de Eduardo Figueiredo, a montagem transpõe a secura do pós-guerra europeu para um mundo de precarização e descarte de corpos. “O universo de ‘Esperando Godot’ retrata o pós-Guerra, a devastação europeia escrita por Beckett no exílio. A proposta da Gabriela aponta para a frente: é um presságio da subida totalidade do capitalismo, em que a terreno arrasada já se instaurou e a vexame virou paisagem banalizada”, diz o diretor. No palco, há uma discreta rima de corpos ao fundo e a manipulação de um boneco ao suicídio.

Para Figueiredo, a escolha de dois protagonistas negros também reposiciona o peso político da montagem: “Trazer dois atores negros confere outro peso sígnico ao debate, ecoa reparação histórica e a exploração do trabalho, sem perder a dimensão universal da quesito humana.”

A dupla Gogô e Didi alterna severidade, desilusão e afeto para preservar a humanidade. Longe dos palcos dramáticos desde “Embarque Repentino”, há tapume de três anos, Rocco Pitanga vê na cumplicidade a resistência à modorra.

“Quando li o texto pela primeira vez, ele me tocou no íntimo porque traduz essa aceleração tecnológica doentia e nos faz questionar o propósito da existência. Em um mundo distópico devastado, duas pessoas sobrevivem porque se apoiam na amizade e na fraternidade”, reflete o ator.

Para ele, a dinâmica entre os dois é desenhada por contrastes complementares: “Vejo o Gogô [personagem de Robson Nunes] porquê o guardião da esperança do Didi. O Didi passou por situações extremas, carrega certa severidade e procura refúgio na pureza e no ludismo do Gogô, que ainda tenta transformar qualquer faísca em paixão.”

Posteriormente comédias e musicais porquê “Dreamgirls”, Robson Nunes buscou lastrar rijeza e leveza. “Quando terminei a primeira leitura, disse para a Gabriela que o texto era esplêndido, mas porquê vamos prender o público diante de tanta crueza e verso?”, ele diz.

Ao longo dos ensaios, a fronteira entre os dois homens mostrou-se orgânica e maleável. “Conforme ensaiamos, fomos descobrindo que essas vozes se cruzam. Há dias em que estamos mais líricos, outros mais céticos.”

Mellão reforça que essa maleabilidade é médio para o círculo dramático. “Em determinado momento, os papéis se cruzam e o Pitanga canta. É a curva do espetáculo —até o varão amargurado cede à urgência de trovar. Somos múltiplos; essa traço que divide os dois é deliberadamente porosa.”

Essa permeabilidade transborda para a própria relação com o público, sobretudo quando a peça aborda a corrosão pelo trabalho precarizado e o exposição contemporâneo do empreendedorismo. Em uma cena intitulada “Risca de Produção”, Pitanga fica ao fundo da plateia e Nunes, no palco, e caixas circulam entre espectadores ao som de música.

“Queremos que a plateia sinta no corpo a automação e o ritmo repetitivo da esteira fabril”, explica Figueiredo. A encenação desmonta a retórica da autonomia que rege a uberização. “Há um verso cantado que resume isso: ‘Ninguém mais vai me explorar, só eu mesmo’”, diz Nunes.

“Fomos convencidos de que a autoexploração desenfreada é virtude, sob o rótulo do ‘empreendedor de si mesmo’. Vendem a teoria de que você faz o próprio horário, mas você acaba trabalhando 24 horas por dia, exatamente porquê os entregadores de aplicativo.”

Para Pitanga, o tema dialoga com a exaustão, a jornada de trabalho e a graduação 6×1. “É o paradoxo, trabalho para viver ou vivo para trabalhar? Eles estão num horizonte sem perspectiva material, buscando trabalho, mas conservam um tanto que o verba não compra”, afirma o ator. Diante do colapso, a resistência passa pela capacidade de enxergar venustidade nas frestas do ordinário. “A verso está no trivial, em olhar para o outro e manifestar ‘mais um dia celestial, não deixa a peteca tombar, senão vira paranoia’.”

O figurino de Ronaldo Rocha, luz de Aline Santini, cenografia de Kleber Montanheiro e direção músico de Federico Puppi contribuem para a coesão estética do espetáculo. A produção pretende ainda fazer a obra rodear, depois o Sesc Ipiranga, por editais, pelo interno e outras praças do país.

Nas palavras de Figueiredo, Beckett ensinou que não importa quem é Godot, mas sim o que ele representa para quem espera. “Hoje, o que se normalizou é a violência: aceita-se o descarte de corpos, a guerra contínua, o desmonte ecológico e a concentração brutal de riqueza nas mãos de corporações. Se tudo isso vira rotina aceita, o teatro precisa quebrar essa anestesia.”