O paixão romântico colocou tudo no peito: o coração virou motor e carrasco de qualquer paixão. Em “Amália”, narrativa de Newton Trigueiro que Ivan Andrade leva ao Teatro Estúdio, essa teoria desmorona logo no primórdio. A protagonista quer injetar um sedativo mortífero no próprio coração para parar de se gostar por qualquer um que cruza o caminho. É interceptada no segundo exato em que a agulha furaria a músculos, e percebe o erro da sua necropsia existencial: o coração é só um operário simples. Quem manda na tirania do libido são os olhos.

Ao mudar a sede da paixão do peito para a retina, a encenação leva uma anomalia íntima para o meio da vertigem contemporânea. Gostar-se pelo próximo vulto que entra em cena deixa de ser renitência de folhetim e passa a espelhar a dissipação de um mundo saturado de imagens passageiras, onde a atenção fragmentada não deixa zero persistir.

Andrade entende que a literatura de Trigueiro, tantas vezes ancorada em pulsões míticas, ganha força novidade filtrada pela comicidade rápida. A melancolia da procura afetiva não vira autocomiseração porque o riso expõe o ridículo de quem tenta domar biologicamente uma vertigem que é própria do ato de enxergar.

No palco, a equação se sustenta entre dois corpos que dominam a geometria da farsa e da seriedade. Lara Córdulla faz de Amália uma figura patética e comovente. A atriz sustenta a empáfia de quem acha que mapeou cientificamente o próprio organização mas desaba diante de impulsos involuntários. Marcos Azevedo é o contrapeso rítmico que ancora a velocidade do espetáculo. Desdobra o personagem em múltiplas presenças e oferece a precisão que impede a cena de transbordar.

A cenografia de Giorgia Massetani e a luz de Mirella Brandi tratam o espaço uma vez que anatomia mental da protagonista. O olho cenográfico ecoa Narciso afogado no revérbero, Orfeu traído pela curiosidade, Édipo arrancando os próprios olhos ao ver o que não podia sustentar. A sonoplastia de Raul Teixeira e a partitura corporal de Roberto Alencar mantêm a conversa entre mito e contemporaneidade.

A montagem ainda precisa ajustar certas transições para que o tempo interno dos quadros respire com mais organicidade —ajuste que o atrito com o público fatalmente trará. Ainda assim, atinge um impacto vasqueiro. “Amália” devolve o público à sua própria avidez retiniana e o desconforto lúcido de constatar que anestesiar o libido exigiria extinguir o mundo ao volta.

Três perguntas para…

… Lara Córdulla

O narrativa de Newton Trigueiro é aportado em pulsões míticas e viscerais, e o Ivan Andrade filtra tudo pela comicidade rápida. Porquê esse deslocamento chegou até você — no texto, na direção ou no seu corpo em cena?

O narrativa do Newton carrega essa fúria mítica de forma muito concisa e assertiva. Na transição para o palco, essa matéria-prima se concretizou através dos conflitos do nosso tempo: as cartas de paixão, as mensagens de texto, as conversas por chat, os medicamentos, a solidão virtual e o não estar presente. Durante os ensaios, percebemos que o desespero de Amália só caberia nessa estrutura fragmentada e ligeiro se tratado com seriedade absoluta.

Esse deslocamento não veio de cima para reles; exigiu uma pesquisa cênica e corporal intensa. No corpo, o tempo cômico nasce justamente da urgência. Amália é uma mulher atropelada pelo próprio libido; por isso, a comicidade dela não vem da piada pronta, mas do tropeço existencial. É o corpo em estado de prontidão jacente, tentando dar conta de uma exuberância que o mundo não comporta.

O riso no espetáculo surge do excesso, do choque entre a grandiosidade do mito prometido a ela e a pequenez agridoce das carências cotidianas. O primeiro ato transita pela comédia romântica, enquanto o segundo mergulha na loucura da procura incessante pelo libido, até o desfecho. O olhar do preparador corporal, Roberto Alencar, foi fundamental para calibrar essa passagem entre a tragédia e a farsa.

Você e Marcos Azevedo sustentam a peça no atrito entre farsa e seriedade. Porquê esse contrapeso se constrói no experimento — é combinado ou nasce do jogo?

Ele nasce e se sustenta no risco do jogo cênico e dramatúrgico, no atrito vivo entre narrador e personagem. Simples que a partitura física e a direção nos dão o pavimento técnico para pisar nesse terreno, mas a farsa e a seriedade só se encontram de verdade quando a escuta com o Marcos está ativa. Eu entrego a seriedade e ele devolve a farsa, ou vice-versa, porque os papéis se invertem o tempo todo. Nos ensaios, improvisamos cenas, criamos outras narrativas, erramos e descobrimos juntos, apostando na fragilidade.

A cena do Eros sem-teto, exausto do paixão nos tempos das compulsões tecnológicas, nasceu diretamente desses experimentos. Se pesássemos a mão na seriedade, o narrativa viraria melodrama; se pesássemos só na farsa, perderíamos a humanidade que move Amália. Esse estabilidade é quotidiano e se renova a cada réplica, conforme a sala respira com a gente. Com a chegada do público, a história se expande e essa escuta tende a permanecer ainda mais viva.

Amália quer anestesiar o libido cirurgicamente. Você já pensou em qualquer gesto seu, fora de cena, que se pareça com essa tentativa de controlar o que não se controla?

Totalmente. Acho que toda mulher com alguma bagagem carrega na bolsa um pequeno estojo de primeiros socorros contra o imponderável. No meu dia a dia, fora de cena, anestesio-me quando primórdio a organizar a vivenda de forma obsessiva, controlando horários e rotinas, apelando a remédios ou tentando racionalizar afetos antes que eles transbordem.

A presença daquele olho no espetáculo —que vigia, observa e analisa uma vez que um relâmpago X— aponta justamente para essa tentativa de contenção. Mas o mais bonito em me emprestar a Amália é constatar que, por mais que a gente passe a vida tentando ajustar e planejar tudo, o ato de estar presente exige rasgar o planta e se entregar ao incontrolável. Amália segue sorrindo, há décadas, sentada naquele banco de terreiro. O que será que ela enxerga por dentro?

Teatro Estúdio – Rua Mentor Nébias, 891, Campos Elíseos. Segunda e terça, 20h. Até 22/12. Duração: 70 minutos. Classificação indicativa: 12 anos. Gratuito. Retirada de ingressos pelo Sympla e na bilheteria do teatro.

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